I’ve taken photographs since I was a child

I’ve taken photographs since I was a child, playing with my mother’s inherited Kodak Brownie box camera. I still have that ancient camera, now a family heirloom! As a student, I took a photography option for presentation purposes and learned the basics of developing and printing. Being able to process my own images fueled my enthusiasm for photography, only to be frustrated when I could no longer access a darkroom after graduating. This frustration prompted a move from black and white prints into color slides for a few years.

Occasional forays into more artistic images were limited by the cost of buying film, developing and printing. However, taking photographs on a limited budget meant making the most of every precious print. I would think about a shot before pressing the shutter release: compose the image in the camera; take care with speed and aperture settings; always look for the angle. I still try to do this, even though the advent of digital photography has lifted the cost constraints associated with film. More importantly, investing in a DSLR, computer and printer has once again allowed me to take control over the whole process – capturing, processing and printing images – and with it, the opportunity to be more creative. This has been a springboard in the transition from someone who takes photographs, to thinking of myself as a photographer.

With no formal training in the use of processing software, I have discovered techniques by experimenting and through trial and error. I’m still learning and finding new ways of doing things. Being exposed to the inspirational work of other photographers through the community at Fotoblur has broadened my creative horizons, opened my eyes to exciting possibilities, and helped me explore and develop my own style. Every day is like a new photographic adventure.

What are some major themes that you attempt to communicate through your artwork?

I think there are two main threads underpinning my artwork. One is a love of shapes, patterns and forms which are pleasing to the eye. Whatever I look at through the lens, my eyes intuitively seek out those elements which create symmetry, a harmonious whole, or a well balanced composition. Not surprisingly, many of my images have a strong graphic character which is accessible and easy to understand in purely visual terms. The other thread is the desire to convey a mood or feeling using processing techniques to create the image I see in my mind’s eye. It may reflect how I feel when I’m working on the image or my response to the subject – the reason it caught my attention, or moved me, in the first place. I want the viewer to share my emotion, but to respond in their own individual way. If the image leaves you cold, it hasn’t worked. If it makes something resonate in your heart, mind or memory then I am delighted!

Your images have a mystical, dream like quality. What ideas did you have in mind and how were you able to construct these ideas when creating this series?

Two of the images are inspired by large-scale sculptures of the human head. I stumbled upon these public artworks when visiting London and Florence/Firenze and was drawn to them immediately. The head is such a powerful symbol – our center of thought and imagination, and the senses of sight, hearing, smell, and taste. Using images of heads was a natural choice to convey the concepts of imagination and inspiration. I selected images which seemed to me to best capture each concept: the head tilted up, viewed from below and the eyes, unfocused, staring into the distance symbolizing imagination in “Imagine”; the large forehead with ideas literally spilling out through a crack in the skull, symbolizing inspiration in “Inspiration”. The decision to work in black and white was key – moving the image out of reality and into the realm of ideas. The dream-like quality is further reinforced by the background; the heads are placed, or perhaps moving through, in an unidentifiable space. With no fixed point to relate to visually, the viewer is not constrained by a particular time or place, leaving his or her mind to wander freely wherever the concept takes it.

The architectural work owes much to my professional background in urbanism. I am fascinated by how people respond to the built environment and urban spaces. I wanted to create images which would grab the viewer’s attention, provoke a response and in doing so, raise awareness of the places where many of us live. The buildings portrayed in these images each have strong individual identity. I think that comes across more clearly without the distraction of color. By isolating the building from its surroundings, attention is focused on shape, form and detailing which can go unnoticed when viewed against a cluttered skyline or busy background. The sky treatment emphasizes and reinforces those features of the building which make it distinctive.

In your work, how do you use your subject to express your ideas and vision?

I rarely pick up my camera with a set agenda in mind. I know from experience that I am attracted to subjects with strong shapes, patterns and forms, be it a building, rural or urban landscape, or a small detailed part of an everyday object. More and more of my images now include people – not as portraits, but as active players in a scene, who give scale or change the dynamics of the space, for example. For me, ideas are suggested by and flow from the images themselves. If the original image doesn’t spark a reaction or trigger something in my imagination when I first open the file on screen, then it’s probably not worth spending time on it at that point. However, I may come back to it in the future and discover something I missed the first time around, or find that later, when I’m in a different frame of mind, a thought is triggered and I have an idea to work with.

What makes Linda Wride tick? More specifically, what are your motivations for reaching out to others using photography as your medium?

I come from an arts background. However, I can’t remember the last time I picked up a paintbrush or a pencil and sketch pad. But the camera is different. It’s been there with me all the way on life’s journey, recording events and, more recently, providing a channel to communicate visually, a refreshing and invigorating change after relying on the spoken and written word for so long. I have found that my images can strike a chord with people from all over the world who share my passion for photography. This has given me great delight and pleasure and real motivation to carry on.

What invaluable lessons have you learned that helped you develop your distinct style?

Don’t be afraid to try things! Keep an open mind, experiment, persevere, be inspired by others, but value your own vision – after all, you are unique!

Jeg har taget billeder siden jeg var barn

Jeg har taget billeder siden jeg var et barn, der spiller med min mor arvede Kodak Brownie box kamera. Jeg har stadig, at det gamle kamera, som nu er en familie arvestykke! Som studerende tog jeg et fotografi mulighed for præsentation og lærte det grundlæggende i at udvikle og udskrivning. At være i stand til at behandle mine egne billeder drevne min begejstring for fotografering, kun for at blive frustreret, når jeg ikke længere kunne få adgang til et mørkekammer efter endt uddannelse. Denne frustration bedt om at gå fra sort og hvid udskrifter i farve dias i et par år.

Lejlighedsvis strejftog i mere kunstneriske billeder blev begrænset af prisen på at købe film, udvikle og udskrivning. Men, at tage billeder på et begrænset budget betød, at de fleste af alle ædle print. Jeg vil tænke på et skud, før du trykker på udløseren: komponer billedet i det kameraet, at tage sig med hastighed og blænde-indstillinger; se altid efter vinklen. Jeg prøver stadig at gøre dette, selv om fremkomsten af digital fotografering har løftet omkostningerne begrænsninger, der er forbundet med filmen. Mere vigtigere, at investere i et DSLR, computer og printeren har igen givet mig mulighed for at tage kontrol over hele processen – registrering, behandling og udskrivning af billeder – og med det, mulighed for at være mere kreative. Dette har været et springbræt i overgangen fra en person, der tager billeder, til at tænke på mig selv som fotograf.

Med ingen formel uddannelse i brug af tekstbehandling, jeg har opdaget teknikker, ved at eksperimentere med og gennem trial and error. Jeg er stadig ved at lære og finde nye måder at gøre tingene på. At blive udsat for den inspirerende arbejde af andre fotografer gennem fællesskabet på Fotoblur har udvidet min kreative horisonter, åbnede mine øjne for spændende muligheder, og hjalp mig med at udforske og udvikle min egen stil. Hver dag er som en ny fotografisk eventyr.

Hvad er nogle af de store temaer, som du forsøger at kommunikere gennem din kunst?

Jeg tror, der er to vigtigste tråde, der underbygger min kunst. Den ene er en elsker af figurer, mønstre og former, som er en fryd for øjet. Hvad jeg ser gennem linsen, mine øjne intuitivt søge ud af de elementer, der skaber symmetri, en harmonisk helhed, eller en velafbalanceret sammensætning. Ikke overraskende, at mange af mine billeder har et stærkt grafisk karakter, som er tilgængelige og lette at forstå i rent visuelle udtryk. Den anden tråd er ønsket om at formidle en stemning eller en følelse, bruge teknikker til at skabe det billede, jeg ser for mit indre øje. Det kan afspejle, hvordan jeg føler, når jeg arbejder på billedet eller mit svar til emnet – grunden til, at det fangede min opmærksomhed, eller bevægede mig, i første omgang. Jeg ønsker, at beskueren til at dele mine følelser, men at reagere på deres egen individuelle måde. Hvis det billede, der efterlader dig kold, det har ikke virket. Hvis det gør noget genlyd i dit hjerte, sind eller hukommelse, så er jeg glad!

Dine billeder har en mystisk, drøm som kvalitet. Hvilke ideer har du i tankerne, og hvordan var du i stand til at konstruere disse ideer, når du opretter denne serie?

To af billederne er inspireret af store skulpturer af den menneskelige hoved. Jeg faldt over disse offentlige kunstværker, når man besøger London og Firenze/Firenze og var draget til dem med det samme. Hovedet er sådan et stærkt symbol – vores center for tanke og fantasi, og de sanser som syn, hørelse, lugt og smag. Ved hjælp af billeder af hoveder var et naturligt valg at formidle begreberne fantasi og inspiration. Jeg valgte billeder, der forekom mig at bedste fange hvert enkelt begreb: hovedet på skrå op, set fra neden og øjne, ufokuserede, at stirre ind i den afstand, der symboliserer fantasi i “Imagine”, den store pande med ideer bogstaveligt talt strømmede ud gennem en revne i kraniet, der symboliserer inspiration i “Inspiration”. Beslutningen om at arbejde i sort og hvid var tast – for at flytte billedet ud af virkeligheden og ind i en verden af ideer. Drøm-lignende kvalitet er blevet yderligere forstærket af den baggrund, de hoveder er placeret, eller måske bevæger sig gennem, i et uidentificerbart plads. Med ingen fast punkt at forholde sig til visuelt, seeren er ikke begrænset af et bestemt tidspunkt eller sted, at forlade hans eller hendes sind til at vandre frit, hvor begrebet tager det.

Det arkitektoniske arbejde skylder meget til min faglige baggrund i en bekvem beliggenhed. Jeg er fascineret af, hvordan folk reagerer på det byggede miljø og byrum. Jeg ønskede at skabe billeder, som ville fange beskuerens opmærksomhed, fremprovokere en reaktion, og derved øge opmærksomheden på de steder, hvor mange af os lever. De bygninger, der er beskrevet i disse billeder, der hver har en stærk individuel identitet. Jeg tror, der kommer på tværs af mere tydeligt uden at blive distraheret af farve. Ved at isolere bygningen fra dens omgivelser, opmærksomhed er fokuseret på form og detaljering, som kan gå ubemærket hen, når de betragtes i forhold til en rodet skyline eller optaget baggrund. Himlen behandling fremhæver og forstærker disse funktioner i bygningen, som gør det markant.

I dit arbejde, hvordan vil du bruge dit motiv til at udtrykke dine ideer og visioner?

Det er sjældent, jeg afhente mit kamera med et sæt dagsordenen i tankerne. Jeg ved af erfaring, at jeg er tiltrukket til områder med stærk figurer, mønstre og former, det være sig en bygning, på landet eller i byer landskab, eller af et lille detaljerede del af en dagligdags objekt. Flere og flere af mine billeder, der nu omfatter mennesker – ikke som portrætter, men som aktive medspillere i en scene, der giver omfang eller ændre dynamikken i rummet, for eksempel. For mig, idéer, der er foreslået af og flow fra de billeder selv. Hvis det oprindelige billede ikke udløse en reaktion eller trigger noget i min fantasi, når jeg først åbne filen på skærmen, så er det nok ikke værd at bruge tid på det på det tidspunkt. Men, jeg kan komme tilbage til det i fremtiden, og opdage noget jeg gik glip af det første gang, eller finde ud af det senere, når jeg er i en anden ramme i sindet, en tanke er udløst, og jeg har en idé at arbejde med.

Hvad gør Linda Wride kryds? Mere specifikt, hvad er din motivation for at nå ud til andre, der bruger fotografering som dit medie?

Jeg kommer fra en kunst baggrund. Men jeg kan ikke huske sidste gang jeg tog en pensel eller en blyant og skitseblok. Men kameraet er forskellige. Der har det været med mig hele vejen på livets rejse, registrering af begivenheder, og mere for nylig, giver en kanal til at kommunikere visuelt, en forfriskende og styrkende forandringer efter at forlade sig på det talte og skrevne ord, for så længe. Jeg har fundet, at mine billeder kan slå en akkord med folk fra hele verden, som deler min passion for fotografering. Dette har givet mig stor glæde og fornøjelse og reelle motivation til at fortsætte.

Hvad uvurderlige erfaringer har du lært, som hjalp dig med at udvikle dine distinkte stil?

Vær ikke bange for at prøve ting! Holde et åbent sind, eksperiment, vil fortsætte, blive inspireret af andre, men værdien af din egen vision – jo, du er unik!